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千呼万唤始出来，距离《局部》第一季的播出一晃已经三年了。
上月底在看理想活动现场，参加《局部2》发布会的时候，一向犀利的丹青老师带着有点怯的口吻，对着台下的年轻人说，不知道这一季做的怎么样，心里没底，但无论好坏，请大家给个反馈。那么在节目上线的第一天，就在这里分享一点“反馈”，以及为热爱艺术、喜欢看展的朋友们，种个草。
对《局部》这档节目来说，我自己的经验大概分为三个维度来进行观看，分别是知识，角度，和氛围。
知识不必说，这是收看每个文化类节目的主要收获。第一季中陈丹青老师融汇中西，贯穿古今，从文艺复兴的湿壁画，聊到乾隆年间的长卷南巡图；从梵高早期没画完的作品，说到杜尚如何将美术史翻页到新的篇章。本季节目组来到纽约大都会博物馆，这个全世界最大的博物馆之一，可想而知我们将在知识层面上极大地丰富自己的内存。
但涉及到知识，就牵扯到一个“对不对”的问题，也就是考据的真实性。陈丹青老师不是美术史的教授，也不是鉴定真伪的行家，难免在某些观点上存疑。如第一集中他谈《千里江山图》是“真迹无疑”，这点还是掀起很多专家的不同意见的。当然了，哪怕是故宫博物院和央视的《国家宝藏》都对作品深信不疑，考据的真实性出现偏差也在所难免。所以在我看来，“对不对”没那么重要，“怎么看”才比较重要。
作为艺术家的陈丹青老师，在节目中提供非常多有趣观看画面的角度，这让更多没有美术基础、训练的人们，也能在欣赏艺术的过程中获得乐趣。
比如他谈到意大利画家卡帕奇奥的全息视角，在中景和远景中对次要人物的描绘，用“不安分”的目光塑造了人声鼎沸的威尼斯，完全可以激发观看者的观看欲望，非常有趣。如何观看是一件重要的事，在我的一篇谈论山水画像电视剧的文章后，很多朋友留言质疑我既然谈国画怎么不谈文人，我想他们当然就并不太理解观察方式对于看画的重要性。
再比如他谈印象派后期的画家，当画家们不为宗教、不为宫廷，只为自己的内心而画的时候，开始体现题材的自由度，思想的自由度，甚至画面的自由度，一幅画是否完成变得不重要，如塞尚。于是除了观看角度，又多了思想和文化的角度，在与中国元明文人画的对比中，我们看到不同文化、历史对画家、对艺术的变化有着截然不同的影响。
那么在如此庞大的大都会博物馆，那个所谓的“知识”大概就算是专业人员也一生都无法完全掌握的，更别提甄别。那什么是重要的呢？即观察方式——怎么看。如第一集节目中提到非洲土著雕刻时，陈丹青老师将篆刻中的阴阳刻与之对比，就瞬间恍然大悟了。
道长在介绍看理想系列视频时谈到，这些节目除了文化传播的功能外，更要在视频的视觉方面带给人氛围的享受。
很多朋友着迷《局部》就是这样，幽暗的画室，昏黄的灯光，陈丹青老师的白衬衫，手中的中华铅笔，和娓娓道来的声音，有范儿。这里的陈丹青和其他时候都不一样，比如圆桌派锵锵等谈话节目，甚至现场访谈都不一样，《局部》中听他的讲述如同读他的文字，有点不那么直接的玩味，有点特有的幽默。很多话语，显得那么意味深长。
比如讲王希孟时他说，“我分明看见一位美少年，他不可能老，他正好十八岁，长几岁，小几岁，不会有《千里江山图》，他好像知道，过了几年就死了.....”。去年年底在故宫展览上观看《千里江山图》的真迹时，我想到这段话，一边看一边泪流满面，就像多年后再读海子的"面朝大海，春暖花开"一样。
《局部2》发布分享会上陈丹青老师提到，由于拍摄时间紧张，条件限制等原因，在大都会的他像个演员，完全要服从导游，脱稿背诵，一遍遍反复拍摄。于是坦白讲，我会担心没了讲稿，陈老师会不会变成陈导游，完全失去了第一季的那种意味。看完视频，觉得，嗯，果然如此，好尴尬啊哈哈哈。
但是不重要，我找到了另一种氛围来替代。
宣传片中陈丹青老师有这样一段，说“我没上过高中和大学，来纽约的三十五年，大都会就是我的大学。”，于是当天发布会活动的名字也叫《我的大学》，看完第一集后我深刻体会到这四个字的含义。
是什么呢，是丹青老师在大都会博物馆中，有着那么样的一种熟悉感，亲密感，自信感，他不是博物馆的讲解员或者工作人员哎，坦白讲他不过是一个进门还有买票和其他人一样的观众。可以这种熟悉感，亲密感，自信感让我清楚地感觉到，他不一样。比如提到一个特别喜欢的小房间，他说我经常来这里，经常来这里。。。。。
我想如果我介绍我自己的学校，也会是同样的感觉——下课回宿舍有特别喜欢的一个天台，可以看见大海和沙滩上的人群，我经常来这里。。。。。。我的大学也无比美丽，历史悠久，我深爱着我的母校。然而大都会完全不同。
那种浸入感，萦绕感，归属感让我有点羡慕，甚至嫉妒，你的大学居然是大都会博物馆。
陈丹青老师在他的书中这样说，“二十年前，我为什么去到纽约？不是为了移民、发财，而是为了到西方开眼界，看看油画经典的原作。当我走进纽约大都会美术馆，上下古今的西方油画看也看不过来，可是没想到就在那里，我从此开始了中国艺术中国文化的启蒙，认清了我们民族从上古到清末的艺术家谱。——陈丹青《退步集》”
“浸入感”会贯穿于整季的节目中，当然说嫉妒是玩笑啦，我想幸福感，才是看节目的最大的体会。马未都先生说，博物馆是一个社会生态系统中的最高配置，在像大都会博物馆这样的博物馆接受“大学教育”，接受历史的教育，美的感化，艺术的熏陶，人性的启迪，一定是幸福的。
种草种草，热爱艺术、喜欢看展的朋友们，快来看节目吧，一起分享陈丹青老师的知识、观点和浸入感！（说的好像打广告我有分成一样呵呵）
以及我们身边的博物馆、艺术展同样越来越多哦，快行动起来，寻找自己的“大学”吧。
这里两篇链接，来自前一段时间的观展体会和经验分享~
https://www.douban.com/note/661944973/
https://www.douban.com/note/663197618/
第一集《曼哈顿第五大道》
纽约大都会博物馆
埃及神庙馆、中国庭院
叙利亚房间
华莱士夫人 承诺永久供应大都会美术馆的四束花
第二集《规范与偏离》
偏离规范的写作是好的写作
古代艺术的不自觉、半自觉的偏离 卡拉瓦乔用市井屠夫做模特画宗教题材，不美化
偏离十五世纪以来形成的宗教题材规范
伟大的自我偏离，同时丰富了规范 伦勃朗 晚年一批自画像偏离早年的自己的规范
委拉斯凯兹 侏儒系列 画皇帝的方式画侏儒
“我不创造，我发现”毕加索
十九世纪，越来越多的艺术家开始偏离规范，到二十世纪更甚。
而所有规范代表的是权力
《印象派的敌人》 马萧
《聆听圣婴的圣女贞德》勒帕日1879
丰富细腻的技巧
第三集《昏睡与醒来》
能品、逸品、神品，沙龙画家，几乎全是能品的画家
卡巴内尔《维纳斯的诞生》 法国的绘画系统，相继由达维特、安格尔创立起来。
比印象派稍早的，游离于沙龙派规范的一批人里：库尔贝、杜米埃、巴比松画派
库尔贝头一个草莽英雄，“现实主义帐篷”首先公开宣称不画圣经和神话，我不画没见过的东西巴比松画派，毕沙罗敬爱柯罗，他们的画有真气。他们是描绘欧洲千年农耕图景的最后一批人。
托马·库第尔《肥皂泡》
凡是被承认的艺术，进了美术馆的艺术，都是过时的规范，失效的规范，轮到偏离和背叛印象派的规范，是马蒂斯和毕加索那批人，而马蒂斯毕加索开创的规范，在今天也已过时。
第四集《易县的罗汉》
十六尊河北易县三彩和尚 辽代 现今在世界各地，中国无一尊
罗汉以人而作 脸上有着不容辩说的傲慢，出于信仰的痉挛中
莫高窟 盛唐
中国佛教艺术起于汉代，魏晋隋唐达于极盛，到宋慢慢没落，罗汉画罗汉雕塑兴起。公园十世纪以后，中国古典雕刻的三度空间雕刻观念消失。
《中国美术史》陈师曾：五代和宋初，王齐翰、张元简主张用世俗相貌处理佛教艺术。
北宋，李公麟、贾师古将其升华，开启佛教艺术新局面。
《昭陵六骏》唐
山西晋祠泥塑 北宋 梁思成 熊秉明 这些欣赏都是从西方的角度来欣赏的
第五集《离开祭坛的祭坛画》
文艺复兴 意大利 《蒙娜丽莎的微笑》
《庭院里的悲》、《宾托·阿托维蒂肖像》拉斐尔·圣齐奥 《照镜的维纳斯》、《戴红帽的男子》提香·韦切利奥 《维纳斯和音乐家》《维纳斯和阿多尼斯》
《乐园》 《圣殿里的耶稣》 乔万尼·迪·帕罗
透视法之外，还有许多绘画手段，平面性、装饰性、图案分割之美，手法的天真拙朴
观看，惊喜不需要道理
祭坛画脱离了祭坛，现今绘画表上框展览于美术馆，绘画的美术馆崇拜
第六集《离开寺庙的药师》
《药师经变图》元
《朝元图》元 山西永乐宫
东平后屯墓室壁画 汉
中国壁画起于汉代，魏晋唐宋达于极盛，阎立本、李思训、张僧繇、吴道子、《五星二十八宿真形图》卢棱伽、《八十七神仙卷》杨庭光
《桃园仙杖图》北宋 武宗元
《炽圣光佛经变图》元
第七集《眼前的麦田》
《伯利恒的普查》1566 老彼得·勃鲁盖尔 《叛逆天使的堕落》1562 《孩子们的游戏》
《受难之路》
风俗画、历史画在18、19世纪成型，而16世纪的荷兰绘画，是最早能够表现世俗生活的。
《屋内的农人》勒南兄弟 18世纪 描述世俗 呆坐、质朴、优雅，一声不响在那发呆
呆像是古典绘画富有意味的美，而19世纪各种意识形态、政治意图、批判意识，也传染到绘画。
《收割者》1565 这一系列画是西方绘画的分水岭，人文主义开始带到宗教绘画中。根据实景画画，没有把本地景色理想化。
《豳风图》北宋 李公麟
第八集《妩媚的暴徒》
《音乐家》1595 24岁 《圣彼得》、《大卫和歌利亚的头颅》1610晚期卡拉瓦乔
《酒神》1595 《拿果盘的男孩》1593 《果篮静物》1595
画面里面有此前人画不曾有过的爱慕
十五世纪文艺复兴的惯有模式在他手里终结。他半自觉的萌生的所谓“现实主义”，他的写实性和库尔贝的题材的写实性不一样，他绘画像现实生活中的人的勇敢，生动可性却仍然沐浴在神性光辉中。
他创造性贡献，画出了昏暗和聚光的对比。在他之前的提香和丁托列托多少为画面增加了一些空间感，而他使画面主要人物都被一束聚光照亮。
十四五世纪湿壁画、蛋清画的平面感——巴洛克绘画的纵深感，这期间卡拉瓦乔作的天才的过渡
第九集《优雅的暴行》
西洋人喜欢画暴力，中国人喜欢画江山。
水浒叶子的对女子的酷刑，是儒家的传统礼教。
《地狱变》五代 敦煌 榆林十九窟甬道北侧
《平定准格尔回部得胜图》清乾隆 郎世宁等绘
西洋人2000多年前，就热衷表现搏斗厮杀 《巨人的战役》
《尼科诺·达·科伦蒂诺在圣罗马诺之战》1433 《契阿尔达被杀下马》1435保罗·乌切诺
摄影传到中国，拍摄屠杀的也还是西洋人
《欧罗巴被劫》1618 鲁本斯 《艺术哲学》傅雷
《萨宾妇女的干预》1796-1799 雅克·路易·大卫 《强掳萨宾妇女》1634-1635普桑
《拉奥孔》
《赫拉克利乌斯和科斯罗伊斯之间的战斗》1452-1466 皮耶罗·德拉·弗朗西斯卡
文艺复兴，越来越多战争画面出现，各个姿态优雅，而且都追求数学般的均衡结构。吸引画家的，不是战争的残酷，而是战争的壮丽。
尼古拉斯·普桑，开创了学画画第一步画古希腊石膏像的传统。他的画的每一处都是冷静的，克制的。同样的颜色，在他的画面所赋予的优雅法国性。
法国，蒙田、巴斯卡、几代文学家，精于品尝，把玩修辞。十八九世纪，法国绘画出了大量人才，大卫、安格尔、德拉克罗瓦、让·巴蒂斯·卡米耶·柯洛，都可以找到普桑，他是法国绘画公认的教宗，对十八九世纪的绘画影响，开启了法国绘画的风神。
塞尚和马蒂斯还会专门去普桑绘画的地点描绘他画过的风景，德加临摹他的作品。
早期德加热衷于古希腊理想
第十集《凝结层的魅力》
二战以来多回顾展
维米尔《窗前读信的女子》1657 绝对沉默的画面
荷兰画派，最早表现世俗日常的生活。
《炉火边睡着的老人》伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因 哈尔斯
《代尔夫特房子的庭院》1658彼得·德·霍赫
只是叙述、不是艺术、更不是神品
《瞌睡的女仆》1656 《绘画寓言》1667
过渡刻画，留下的凝结层的质地。他无意中给毯子、陶罐画的丰富的颜料层，属半自觉。
第十一期《白热化的羞辱》
《巴迪侬画室》1870 马奈 八次联展一次都不参加，但是大家还是认他
1861-1865 马奈创作的盛期
那个时代的现代绘画，关心的不是画什么，而是怎么画。马奈之前，画的故事、神态、表情最重要，马奈之后，边缘的物品同样有趣。
《死去的基督和天使》1864 《被士兵嘲笑的基督》1865 唯一两次设计宗教题材
“油画颜料被发明出来，就是为了画肉”德库宁。
库尔贝曾在《画室》中以厚重的凝结层的女人体使大众惊讶，而马奈用这样厚重的凝结层描绘基督，是欧洲绘画的第一次。
更早的溯源，伦勃朗，委拉斯凯兹《战神》1640，是十七世纪异常大胆的稠密覆盖度。
马奈当初的贡献是率先描绘都市生活，后期受嘲讽，画作骤然减少。
《马奈夫妇》德加
第十二集《所恨古人不见我》
“不恨我不见古人，所恨古人不见我”张融 唐书法家
明 董其昌 变古人于自己，又变自己为古人
《孝经图》 、《豳风图》 北宋 李公麟 《晋文公复国图》南宋 李唐 《胡笳十八拍》明 佚名 《乞巧图》北宋 《拙政园图册》明 文征明
《辋川别业图》清 王原祁 《溪岸图》五代 董源
《潇湘图》董源 董其昌题跋
董其昌是中国山水画公共秘书 “元四家”黄公望、倪云林、王蒙、赵孟頫
中国在这个时代已经开始做减法
第十三集《郑重其事的肖像》
早期摄影，曝光慢，拍照的人被拍的人，各个郑重其事
《雅各-路易·勒布朗夫人肖像》让·奥格斯太·多米尼克·安格尔 追求古典拉斐尔的时代，成为了变形的画家 《安格尔与面料》
《佩特鲁斯·斯克里维留斯》 、《安娜·范·德·阿尔》1626哈尔斯
当时出门远行的人，怀揣一种铁板肖像
《托马索·波提纳利》 、《玛利亚·波提纳利》1470 汉斯·梅姆林
当时流行的三联画，中间有圣经画，年代一久就省去了中间的圣经画
第十四集《草稿与正稿》
《奥利瓦雷斯公爵肖像》1635委拉斯凯兹
《西欧近代画家》文杜里
《干草车》康斯坦布尔
音乐的排练 鲁宾斯坦演奏肖邦 梅兰芳排练 绘画中国画不能修改
第十五集《绘画与时间》
《胡笳十八拍》唐 刘商 改写 自蔡文姬 东汉末年 明 佚名画家仿宋长卷
“好画不但容纳时间，还创造时间，画完后，随时间所拥有，而且一直跟着时间走”大卫·霍克尼
耶稣出生地 伯利恒摄影
《晋文公复国图》南宋 李唐
绘画不会说，也不会动，但绘画更持久
第十六集《艺术与大众》
《狡兔之家》1905 毕加索 《梳头的女子》 、《演员》 1906年以前的“蓝色时期”
艾略特 马蒂斯、毕加索 和黄宾虹、齐白石同时代
《戴帽子的女人》1905 《生之喜悦》1906 《开着的窗户》1905马蒂斯 同期已开启“野兽派”作风
《格特鲁格·斯坦因肖像》1905-1906 毕加索从马蒂斯画中受到的刺激以后的新起点，走向“现代主义”的最关键的突破“立体主义” 《亚维农少女》1907
塞尚切割形体的方式，一种非欧洲的绘画平面感
现代艺术取决于直觉和本能，“大众”一词从印象派开始，意味着过去的、不变的美学传统。
看了近几期的《局部》第二季感觉深度明显不如第一季，陈老师把空间放在大都会，主题选择规范与偏离，每一集或古或今或中或外，都有一个切入的点。但讲来讲去多是些上网能查到的陈年旧讯，或早已定论的公案。新鲜个性的东西少。我以为能不能把问题说得通透还是要和积淀有关，比如卡拉瓦乔那一集，就明显好于其它几集。看得出陈老师对这位前辈有着深深的爱，那种“落着自己爱慕的凝视”“你刚刚爱上一个人，心里不知道怎么办就会画成这样的画”，只有爱之深才会想的出来。而其它几集相对多是蜻蜓点水，讲不出许多新意。人人都知道这一屋子东西好，可究竟好在哪里呢，陈老师也没讲明白。希望剩下的几集能多些精彩，否则真有江郎才尽之嫌啦。
陈老师年少成名于《西藏组画》，随即赴美，这之后再无让人记得起的作品。当下的陈老师更多是以公共知识分子出现，评判社会，指点艺术。好在常有警世之言，追随者颇多。我想陈是享受当下在国内的境遇的，回望当年国外生活的窘迫，陈恐怕无暇顾及少年的雄心了。我以为他确实也是画不出来了，一个过于思辨、理性的人，是早已把艺术创作的血性与率真磨光了。依照陈老师今天的性情画些讽刺画倒有些可能。相比较而言，与其同时期的袁运生还在画，还能画。袁有一句话“批判性与对抗性仅仅是一种姿态，代替不了建设”。我颇以为是。
在《局部》第二季发布会上，陈丹青再次提出绘画已经过时，今天是谈论画的时代。他说，拍《局部》本就是给不画画的人看的，让人们有点谈资可以装B。在他看来，装B就是装文雅，没什么不好。
我问过学摄影的朋友，他们仍需要学习绘画。从达盖尔银法出现以来，随着摄影被渐渐称为艺术，不断成熟，再去花大量时间专攻绘画，是一件吃力不讨好的事情。一位观察家说道“绘画已经变成了一个完全神秘不为外人所知的事务，而且只属于美术馆的世界......”从这次发布会可以看出，普通人对文艺复兴的了解，仅限于以艺术三杰为首的小圈子。被过度谈论的他们大量占据着各地美术馆，而一批十三、四世纪优秀壁画家的画作散落在年久失修的偏僻小教堂，无人问津。美暗含着一种个性的体现，但美术馆作为一个被高度选择过的空间，让人们一次性观看无数出名而精美的画作同时，无形中“校准”了人对美的取向，也就有了“审美”。美从来是一件说不清的事情。套用木心的比喻，美术馆像是虾肉面，虾肉太多，没有面了。
早年间，绘画弥补了摄影和电视的空缺。随着技术进步，相应地会带来新的视觉思考。此时，”绘画是不是有用”这一问题逐渐被人们争论。麦克卢汉说，媒介即是讯息。既然有了更便捷的媒介，我们还需要通过绘画来描述世界吗？
作为“中庸”画派的库尔贝，是最后一位试图用绘画超越摄影的画家。他画出《波浪》的时候，大特写和瞬间摄影还未产生。随后又有了印象派和摄影的交融。本雅明说道“当印象派画上颜料之后，便能脱离素描草图的框架，并且，就某种程度而言，也就逃脱了摄影器材的竞争......一直到世纪之交，摄影还一直想模仿印象派画家。”
由达利画出弯曲的时钟，到马格利特画出《这不是一只烟斗》（福柯特地为此写了一本同名书籍），绘画更多地展现出游戏与哲思的成分，而并非痴迷于纯画面的元素。当然，这背后还有更复杂的战争与政治因素。到了今天，写生画派的没落，伴随着更多以“游戏”为母题的其他艺术形式兴起，人们擅长用各种材料来表现艺术，例如为人熟悉的蔡国强擅长玩“爆破”，徐冰爱用文字，左小祖咒参与的人肉堆积《为无名山增高一米》，不一而足。
附庸风雅的日本，附庸久了，自成风雅，反倒是原先的风雅之都要反过来向它学习。对于局外人，去趟美术馆、看《局部》都能算附庸风雅。即使完全不懂，也毫不影响我对这些美的好奇。游览卢浮宫的时候，同行有两位教画画的女生，想脱团多逛一会儿，又不太认路，便拉上我。当天人很少，连《蒙娜丽莎》前拍照的人都只围了稀松的两三圈儿。一路上边走边聊，她们不时因我说出的卡拉瓦乔、安迪·沃霍尔、波提切利、爱德华·马奈而震惊。其中一位说道，看你平时不怎么说话，没想到你懂这么多啊。我心中窃喜，我哪儿懂得，只不过看了《局部》之类的节目，道听途说罢了。她们可比我懂得多啦，来到特纳的画前，她们会盯着一小块儿细节，详述画画的技法；走到路易·大卫辉煌巨著《拿破仑一世加冕大典》前，会为华服上松软细密的蜷毛而震惊；见到《荷瑞希兄弟之誓》，会悉心讲解背后的情节。我的功能是气氛润滑剂和导游，成功“装B”之外，还学到了不少真知识。与看画册或网上的图片不同之处在于，美术馆内看画一是能看到原著的笔触，二是不同的画摆放在一起，会对人的视觉经验产生新的影响。你既是在看这一幅画，同时还是在被许多幅其他的画“观看”。良好的布局和稀疏的游人，更能创造出一种人画呼应的氛围。看画也就是与画对话，将自己的生命体验和画作展现出的场面，以及背后的无言涌动连接在一起，重新发现“消逝的灵光”。
可能不太需要更多的专职画家，但就生活情趣而言，画画仍不失为一种好的调剂。我画画的经历分为两段，一段是从幼儿园学到刚上初中时，因素描过于枯燥而中途放弃；二是最近，因为女生的缘故重拾画笔。我想，没有女生不喜欢男生给她画画的。当你想念她的时候，惹她伤心难过的时候，亦或是在她很难熬的时候，给她画一幅简笔画，既能缓和她的情绪，又能让自己的感情得到恰当表达。
绘画本质上是一门语言，而语言是探索世界，让社会正常运作下去最重要的媒介。会多一种语言，便能更细致地感受世界，在精神的边界外畅游。有一个芬兰的故事讲到：一位父亲带着儿子在雪天蜿蜒于盘山公路，车子中途熄火了。过了十多分钟，一个男人停下车，默默地帮这对父子把车修好，离去。至始至终，三人一句话都没说过。过了半个多小时，开车的父亲望向坐在副驾驶的儿子说，刚刚那个人是我小学同学。
北欧人的语言能量密度很高，冰天雪地里，差不多的社会背景下，不需要讲太多话。但如果儿子给父亲的小学同学画一幅简单的画，双方多少会感受到一丝温热。有些话是不太好从嘴里说出来的，在既定的生活模式下，即使说出了真心话，也会让人觉得奇怪。画画相比起口语的使用频率要少得多，因而它会更加的真挚和生猛，会自动展露人的内心，人们趋于忽略它的非真实性，打破思维惯性所造成的盲区。
从这个意义上来讲，绘画是不会完全消失的。《局部》第二季作为一种画外的延续，它是“消遣”，也是一种熏陶，让绘画更平易近人地渗透到生活当中。当每个人都会理性地装一点B的时候，审美水平也就上去了。
1、大家相信书本、教条，不太肯相信自己的眼睛。
2、规范永远在期待天才的偏离，因为任何规范不可能包容千差万别的真实。少数遵守规范的沙龙画作品，成为历史的注脚，印象派的陪客。
3、巴比松画派是印象派的先驱，像是诗歌与欢唱的区别。
4、随着工业社会的来临，柯罗和米勒成为描绘欧洲千年农耕图景的最后一代人。
5、凡是被承认的艺术、进了美术馆的艺术，都是过时的规范、失效的规范。轮到偏离和背叛印象派的规范，是马蒂斯和毕加索那代人。可他们的规范，今天也早已过时了。
6、各国宗教艺术的历史演变，大致是从一张神的脸，慢慢变成一张张人的脸。
7、看一幅画，最重要的不是懂得，而是惊喜。你在一幅画前突然停下来，然后这个画被你看进去了，这就是惊喜。证明什么呢？证明我此前有眼无珠，还证明什么呢？证明看画没有道理，而且用不上道理。
8、文艺复兴壁画发萌的时代，正式中国壁画黄金时期的尾声。
9 、王季迁拍画那一出很有意思。
10、卡拉瓦乔的创造性贡献是画出了昏暗和聚光的对比，他在十六世纪就发现了现在好莱坞打光的模式。
11、卡拉瓦乔完成了从十四五世纪由湿壁画和蛋彩画形成的一种长期的回绘画的平面感到巴洛克绘画进入一种纵深感的一种过渡。全部的巴洛克画，几乎都是卡拉瓦乔的变体。
12、西洋人喜欢画暴力，中国人喜欢画江山。
13、有些战争画变现战争的残酷，有些表现战争的壮丽。
14、普桑的画都是欧洲的神话和寓言，几乎没有法国题材，笔下的战争画面相当优雅。
15、画家过度沉迷，不断深入，覆盖一遍又一遍，留下了油画表面难以测知遍数的凝结层。凝结的颜料层，就是油画的魅力。我们常说色彩美，其实最惊人、最耐看的表面，就是取决于颜料覆盖的密度，那是一种久经磨练的质地感，有点像和面，你和的遍数越多，面包就有韧度，也很像木器和石器的表面，你打磨的遍数越多，那种晶莹剔透密实。密度取决于高超的手腕，过度堆砌刻画，无非是画僵画死，可是在天才那儿，会将作品升华到意图之外意料之外的境界，成为神品。这种质地美，印刷品完全看不出来，必须在真迹面前。
16、马奈第一个将自己的感知直接表达在画作上，他解放了直觉。
17、古代的作品绝大部分都是订件，没有自由创作这事儿。
18、木心：年代更替，艺术的第一重价值会自行消退，进入第二重价值，艺术价值。
19、西方的草图=中国的粉本。
20、郑重其事的正稿，有时候不如生气蓬勃的草稿。
21、电脑时代消灭了草稿。
22、于是之：一心想往好了画，结果就画砸了。索性豁出去，画砸了拉倒，结果说不定反倒好了。
23、西洋画可以修改，水墨画则下笔无悔。
24、所有好作品，都是艺术家的享受记录。
25、霍克尼：好画不但容纳时间，而且创造时间，画完后，它为时间所拥有，而且一直跟着时间走。
26、除了祭坛画之外的绝大多数西洋画，都是独幅画，即一个场景，一个画面
27、历史不是静止的，所有作品都跟着岁月成长变化。艾略特：只要有一件新的好作品出现，历史上所有经典都会跟着动一动。
28、艺术与大众之间永远存在鸿沟。
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《局部 第二季》 第02集在线观看 - 综艺 - 经典影院 - 最新抢先电影 - 最新好看的经典影视电视剧免费在线观看 http://www.jd773.com/vodplay/54770-1-2.html
千呼万唤始出来，距离《局部》第一季的播出一晃已经三年了。
上月底在看理想活动现场，参加《局部2》发布会的时候，一向犀利的丹青老师带着有点怯的口吻，对着台下的年轻人说，不知道这一季做的怎么样，心里没底，但无论好坏，请大家给个反馈。那么在节目上线的第一天，就在这里分享一点“反馈”，以及为热爱艺术、喜欢看展的朋友们，种个草。
对《局部》这档节目来说，我自己的经验大概分为三个维度来进行观看，分别是知识，角度，和氛围。
一 对不对
知识不必说，这是收看每个文化类节目的主要收获。第一季中陈丹青老师融汇中西，贯穿古今，从文艺复兴的湿壁画，聊到乾隆年间的长卷南巡图；从梵高早期没画完的作品，说到杜尚如何将美术史翻页到新的篇章。本季节目组来到纽约大都会博物馆，这个全世界最大的博物馆之一，可想而知我们将在知识层面上极大地丰富自己的内存。
但涉及到知识，就牵扯到一个“对不对”的问题，也就是考据的真实性。陈丹青老师不是美术史的教授，也不是鉴定真伪的行家，难免在某些观点上存疑。如第一集中他谈《千里江山图》是“真迹无疑”，这点还是掀起很多专家的不同意见的。当然了，哪怕是故宫博物院和央视的《国家宝藏》都对作品深信不疑，考据的真实性出现偏差也在所难免。所以在我看来，“对不对”没那么重要，“怎么看”才比较重要。
二 怎么看
作为艺术家的陈丹青老师，在节目中提供非常多有趣观看画面的角度，这让更多没有美术基础、训练的人们，也能在欣赏艺术的过程中获得乐趣。
比如他谈到意大利画家卡帕奇奥的全息视角，在中景和远景中对次要人物的描绘，用“不安分”的目光塑造了人声鼎沸的威尼斯，完全可以激发观看者的观看欲望，非常有趣。如何观看是一件重要的事，在我的一篇谈论山水画像电视剧的文章后，很多朋友留言质疑我既然谈国画怎么不谈文人，我想他们当然就并不太理解观察方式对于看画的重要性。
再比如他谈印象派后期的画家，当画家们不为宗教、不为宫廷，只为自己的内心而画的时候，开始体现题材的自由度，思想的自由度，甚至画面的自由度，一幅画是否完成变得不重要，如塞尚。于是除了观看角度，又多了思想和文化的角度，在与中国元明文人画的对比中，我们看到不同文化、历史对画家、对艺术的变化有着截然不同的影响。
那么在如此庞大的大都会博物馆，那个所谓的“知识”大概就算是专业人员也一生都无法完全掌握的，更别提甄别。那什么是重要的呢？即观察方式——怎么看。如第一集节目中提到非洲土著雕刻时，陈丹青老师将篆刻中的阴阳刻与之对比，就瞬间恍然大悟了。
三 浸入感
道长在介绍看理想系列视频时谈到，这些节目除了文化传播的功能外，更要在视频的视觉方面带给人氛围的享受。
很多朋友着迷《局部》就是这样，幽暗的画室，昏黄的灯光，陈丹青老师的白衬衫，手中的中华铅笔，和娓娓道来的声音，有范儿。这里的陈丹青和其他时候都不一样，比如圆桌派锵锵等谈话节目，甚至现场访谈都不一样，《局部》中听他的讲述如同读他的文字，有点不那么直接的玩味，有点特有的幽默。很多话语，显得那么意味深长。
比如讲王希孟时他说，“我分明看见一位美少年，他不可能老，他正好十八岁，长几岁，小几岁，不会有《千里江山图》，他好像知道，过了几年就死了.....”。去年年底在故宫展览上观看《千里江山图》的真迹时，我想到这段话，一边看一边泪流满面，就像多年后再读海子的"面朝大海，春暖花开"一样。
《局部2》发布分享会上陈丹青老师提到，由于拍摄时间紧张，条件限制等原因，在大都会的他像个演员，完全要服从导游，脱稿背诵，一遍遍反复拍摄。于是坦白讲，我会担心没了讲稿，陈老师会不会变成陈导游，完全失去了第一季的那种意味。看完视频，觉得，嗯，果然如此，好尴尬啊哈哈哈。
但是不重要，我找到了另一种氛围来替代。
宣传片中陈丹青老师有这样一段，说“我没上过高中和大学，来纽约的三十五年，大都会就是我的大学。”，于是当天发布会活动的名字也叫《我的大学》，看完第一集后我深刻体会到这四个字的含义。
是什么呢，是丹青老师在大都会博物馆中，有着那么样的一种熟悉感，亲密感，自信感，他不是博物馆的讲解员或者工作人员哎，坦白讲他不过是一个进门还有买票和其他人一样的观众。可以这种熟悉感，亲密感，自信感让我清楚地感觉到，他不一样。比如提到一个特别喜欢的小房间，他说我经常来这里，经常来这里。。。。。
我想如果我介绍我自己的学校，也会是同样的感觉——下课回宿舍有特别喜欢的一个天台，可以看见大海和沙滩上的人群，我经常来这里。。。。。。我的大学也无比美丽，历史悠久，我深爱着我的母校。然而大都会完全不同。
那种浸入感，萦绕感，归属感让我有点羡慕，甚至嫉妒，你的大学居然是大都会博物馆。
陈丹青老师在他的书中这样说，“二十年前，我为什么去到纽约？不是为了移民、发财，而是为了到西方开眼界，看看油画经典的原作。当我走进纽约大都会美术馆，上下古今的西方油画看也看不过来，可是没想到就在那里，我从此开始了中国艺术中国文化的启蒙，认清了我们民族从上古到清末的艺术家谱。——陈丹青《退步集》”
“浸入感”会贯穿于整季的节目中，当然说嫉妒是玩笑啦，我想幸福感，才是看节目的最大的体会。马未都先生说，博物馆是一个社会生态系统中的最高配置，在像大都会博物馆这样的博物馆接受“大学教育”，接受历史的教育，美的感化，艺术的熏陶，人性的启迪，一定是幸福的。
种草种草，热爱艺术、喜欢看展的朋友们，快来看节目吧，一起分享陈丹青老师的知识、观点和浸入感！（说的好像打广告我有分成一样呵呵）
以及我们身边的博物馆、艺术展同样越来越多哦，快行动起来，寻找自己的“大学”吧。
这里两篇链接，来自前一段时间的观展体会和经验分享~
巡回展览画派的苍茫，爱和孤独——分享一些观看画展的有趣经验
https://www.douban.com/note/661944973/
中国画像电视剧，西方油画像电影——分享张大千特展的一点联想
https://www.douban.com/note/663197618/
第一集《曼哈顿第五大道》
纽约大都会博物馆
埃及神庙馆、中国庭院
叙利亚房间
华莱士夫人 承诺永久供应大都会美术馆的四束花
第二集《规范与偏离》
偏离规范的写作是好的写作
古代艺术的不自觉、半自觉的偏离 卡拉瓦乔用市井屠夫做模特画宗教题材，不美化
偏离十五世纪以来形成的宗教题材规范
伟大的自我偏离，同时丰富了规范 伦勃朗 晚年一批自画像偏离早年的自己的规范
委拉斯凯兹 侏儒系列 画皇帝的方式画侏儒
“我不创造，我发现”毕加索
十九世纪，越来越多的艺术家开始偏离规范，到二十世纪更甚。
而所有规范代表的是权力
《印象派的敌人》 马萧
《聆听圣婴的圣女贞德》勒帕日1879
丰富细腻的技巧
第三集《昏睡与醒来》
能品、逸品、神品，沙龙画家，几乎全是能品的画家
卡巴内尔《维纳斯的诞生》 法国的绘画系统，相继由达维特、安格尔创立起来。
比印象派稍早的，游离于沙龙派规范的一批人里：库尔贝、杜米埃、巴比松画派
库尔贝头一个草莽英雄，“现实主义帐篷”首先公开宣称不画圣经和神话，我不画没见过的东西巴比松画派，毕沙罗敬爱柯罗，他们的画有真气。他们是描绘欧洲千年农耕图景的最后一批人。
托马·库第尔《肥皂泡》
凡是被承认的艺术，进了美术馆的艺术，都是过时的规范，失效的规范，轮到偏离和背叛印象派的规范，是马蒂斯和毕加索那批人，而马蒂斯毕加索开创的规范，在今天也已过时。
第四集《易县的罗汉》
十六尊河北易县三彩和尚 辽代 现今在世界各地，中国无一尊
罗汉以人而作 脸上有着不容辩说的傲慢，出于信仰的痉挛中
莫高窟 盛唐
中国佛教艺术起于汉代，魏晋隋唐达于极盛，到宋慢慢没落，罗汉画罗汉雕塑兴起。公园十世纪以后，中国古典雕刻的三度空间雕刻观念消失。
《中国美术史》陈师曾：五代和宋初，王齐翰、张元简主张用世俗相貌处理佛教艺术。
北宋，李公麟、贾师古将其升华，开启佛教艺术新局面。
《昭陵六骏》唐
山西晋祠泥塑 北宋 梁思成 熊秉明 这些欣赏都是从西方的角度来欣赏的
第五集《离开祭坛的祭坛画》
文艺复兴 意大利 《蒙娜丽莎的微笑》
《庭院里的悲》、《宾托·阿托维蒂肖像》拉斐尔·圣齐奥 《照镜的维纳斯》、《戴红帽的男子》提香·韦切利奥 《维纳斯和音乐家》《维纳斯和阿多尼斯》
《乐园》 《圣殿里的耶稣》 乔万尼·迪·帕罗
透视法之外，还有许多绘画手段，平面性、装饰性、图案分割之美，手法的天真拙朴
观看，惊喜不需要道理
祭坛画脱离了祭坛，现今绘画表上框展览于美术馆，绘画的美术馆崇拜
第六集《离开寺庙的药师》
《药师经变图》元
《朝元图》元 山西永乐宫
东平后屯墓室壁画 汉
中国壁画起于汉代，魏晋唐宋达于极盛，阎立本、李思训、张僧繇、吴道子、《五星二十八宿真形图》卢棱伽、《八十七神仙卷》杨庭光
《桃园仙杖图》北宋 武宗元
《炽圣光佛经变图》元
第七集《眼前的麦田》
《伯利恒的普查》1566 老彼得·勃鲁盖尔 《叛逆天使的堕落》1562 《孩子们的游戏》
《受难之路》
风俗画、历史画在18、19世纪成型，而16世纪的荷兰绘画，是最早能够表现世俗生活的。
《屋内的农人》勒南兄弟 18世纪 描述世俗 呆坐、质朴、优雅，一声不响在那发呆
呆像是古典绘画富有意味的美，而19世纪各种意识形态、政治意图、批判意识，也传染到绘画。
《收割者》1565 这一系列画是西方绘画的分水岭，人文主义开始带到宗教绘画中。根据实景画画，没有把本地景色理想化。
《豳风图》北宋 李公麟
第八集《妩媚的暴徒》
《音乐家》1595 24岁 《圣彼得》、《大卫和歌利亚的头颅》1610晚期卡拉瓦乔
《酒神》1595 《拿果盘的男孩》1593 《果篮静物》1595
画面里面有此前人画不曾有过的爱慕
十五世纪文艺复兴的惯有模式在他手里终结。他半自觉的萌生的所谓“现实主义”，他的写实性和库尔贝的题材的写实性不一样，他绘画像现实生活中的人的勇敢，生动可性却仍然沐浴在神性光辉中。
他创造性贡献，画出了昏暗和聚光的对比。在他之前的提香和丁托列托多少为画面增加了一些空间感，而他使画面主要人物都被一束聚光照亮。
十四五世纪湿壁画、蛋清画的平面感——巴洛克绘画的纵深感，这期间卡拉瓦乔作的天才的过渡
第九集《优雅的暴行》
西洋人喜欢画暴力，中国人喜欢画江山。
水浒叶子的对女子的酷刑，是儒家的传统礼教。
《地狱变》五代 敦煌 榆林十九窟甬道北侧
《平定准格尔回部得胜图》清乾隆 郎世宁等绘
西洋人2000多年前，就热衷表现搏斗厮杀 《巨人的战役》
《尼科诺·达·科伦蒂诺在圣罗马诺之战》1433 《契阿尔达被杀下马》1435保罗·乌切诺
摄影传到中国，拍摄屠杀的也还是西洋人
《欧罗巴被劫》1618 鲁本斯 《艺术哲学》傅雷
《萨宾妇女的干预》1796-1799 雅克·路易·大卫 《强掳萨宾妇女》1634-1635普桑
《拉奥孔》
《赫拉克利乌斯和科斯罗伊斯之间的战斗》1452-1466 皮耶罗·德拉·弗朗西斯卡
文艺复兴，越来越多战争画面出现，各个姿态优雅，而且都追求数学般的均衡结构。吸引画家的，不是战争的残酷，而是战争的壮丽。
尼古拉斯·普桑，开创了学画画第一步画古希腊石膏像的传统。他的画的每一处都是冷静的，克制的。同样的颜色，在他的画面所赋予的优雅法国性。
法国，蒙田、巴斯卡、几代文学家，精于品尝，把玩修辞。十八九世纪，法国绘画出了大量人才，大卫、安格尔、德拉克罗瓦、让·巴蒂斯·卡米耶·柯洛，都可以找到普桑，他是法国绘画公认的教宗，对十八九世纪的绘画影响，开启了法国绘画的风神。
塞尚和马蒂斯还会专门去普桑绘画的地点描绘他画过的风景，德加临摹他的作品。
早期德加热衷于古希腊理想
第十集《凝结层的魅力》
二战以来多回顾展
维米尔《窗前读信的女子》1657 绝对沉默的画面
荷兰画派，最早表现世俗日常的生活。
《炉火边睡着的老人》伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因 哈尔斯
《代尔夫特房子的庭院》1658彼得·德·霍赫
只是叙述、不是艺术、更不是神品
《瞌睡的女仆》1656 《绘画寓言》1667
过渡刻画，留下的凝结层的质地。他无意中给毯子、陶罐画的丰富的颜料层，属半自觉。
第十一期《白热化的羞辱》
《巴迪侬画室》1870 马奈 八次联展一次都不参加，但是大家还是认他
1861-1865 马奈创作的盛期
那个时代的现代绘画，关心的不是画什么，而是怎么画。马奈之前，画的故事、神态、表情最重要，马奈之后，边缘的物品同样有趣。
《死去的基督和天使》1864 《被士兵嘲笑的基督》1865 唯一两次设计宗教题材
“油画颜料被发明出来，就是为了画肉”德库宁。
库尔贝曾在《画室》中以厚重的凝结层的女人体使大众惊讶，而马奈用这样厚重的凝结层描绘基督，是欧洲绘画的第一次。
更早的溯源，伦勃朗，委拉斯凯兹《战神》1640，是十七世纪异常大胆的稠密覆盖度。
马奈当初的贡献是率先描绘都市生活，后期受嘲讽，画作骤然减少。
《马奈夫妇》德加
第十二集《所恨古人不见我》
“不恨我不见古人，所恨古人不见我”张融 唐书法家
明 董其昌 变古人于自己，又变自己为古人
《孝经图》 、《豳风图》 北宋 李公麟 《晋文公复国图》南宋 李唐 《胡笳十八拍》明 佚名 《乞巧图》北宋 《拙政园图册》明 文征明
《辋川别业图》清 王原祁 《溪岸图》五代 董源
《潇湘图》董源 董其昌题跋
董其昌是中国山水画公共秘书 “元四家”黄公望、倪云林、王蒙、赵孟頫
中国在这个时代已经开始做减法
第十三集《郑重其事的肖像》
早期摄影，曝光慢，拍照的人被拍的人，各个郑重其事
《雅各-路易·勒布朗夫人肖像》让·奥格斯太·多米尼克·安格尔 追求古典拉斐尔的时代，成为了变形的画家 《安格尔与面料》
《佩特鲁斯·斯克里维留斯》 、《安娜·范·德·阿尔》1626哈尔斯
当时出门远行的人，怀揣一种铁板肖像
《托马索·波提纳利》 、《玛利亚·波提纳利》1470 汉斯·梅姆林
当时流行的三联画，中间有圣经画，年代一久就省去了中间的圣经画
第十四集《草稿与正稿》
《奥利瓦雷斯公爵肖像》1635委拉斯凯兹
《西欧近代画家》文杜里
《干草车》康斯坦布尔
音乐的排练 鲁宾斯坦演奏肖邦 梅兰芳排练 绘画中国画不能修改
第十五集《绘画与时间》
《胡笳十八拍》唐 刘商 改写 自蔡文姬 东汉末年 明 佚名画家仿宋长卷
“好画不但容纳时间，还创造时间，画完后，随时间所拥有，而且一直跟着时间走”大卫·霍克尼
耶稣出生地 伯利恒摄影
《晋文公复国图》南宋 李唐
绘画不会说，也不会动，但绘画更持久
第十六集《艺术与大众》
《狡兔之家》1905 毕加索 《梳头的女子》 、《演员》 1906年以前的“蓝色时期”
艾略特 马蒂斯、毕加索 和黄宾虹、齐白石同时代
《戴帽子的女人》1905 《生之喜悦》1906 《开着的窗户》1905马蒂斯 同期已开启“野兽派”作风
《格特鲁格·斯坦因肖像》1905-1906 毕加索从马蒂斯画中受到的刺激以后的新起点，走向“现代主义”的最关键的突破“立体主义” 《亚维农少女》1907
塞尚切割形体的方式，一种非欧洲的绘画平面感
现代艺术取决于直觉和本能，“大众”一词从印象派开始，意味着过去的、不变的美学传统。
看了近几期的《局部》第二季感觉深度明显不如第一季，陈老师把空间放在大都会，主题选择规范与偏离，每一集或古或今或中或外，都有一个切入的点。但讲来讲去多是些上网能查到的陈年旧讯，或早已定论的公案。新鲜个性的东西少。我以为能不能把问题说得通透还是要和积淀有关，比如卡拉瓦乔那一集，就明显好于其它几集。看得出陈老师对这位前辈有着深深的爱，那种“落着自己爱慕的凝视”“你刚刚爱上一个人，心里不知道怎么办就会画成这样的画”，只有爱之深才会想的出来。而其它几集相对多是蜻蜓点水，讲不出许多新意。人人都知道这一屋子东西好，可究竟好在哪里呢，陈老师也没讲明白。希望剩下的几集能多些精彩，否则真有江郎才尽之嫌啦。
陈老师年少成名于《西藏组画》，随即赴美，这之后再无让人记得起的作品。当下的陈老师更多是以公共知识分子出现，评判社会，指点艺术。好在常有警世之言，追随者颇多。我想陈是享受当下在国内的境遇的，回望当年国外生活的窘迫，陈恐怕无暇顾及少年的雄心了。我以为他确实也是画不出来了，一个过于思辨、理性的人，是早已把艺术创作的血性与率真磨光了。依照陈老师今天的性情画些讽刺画倒有些可能。相比较而言，与其同时期的袁运生还在画，还能画。袁有一句话“批判性与对抗性仅仅是一种姿态，代替不了建设”。我颇以为是。
在《局部》第二季发布会上，陈丹青再次提出绘画已经过时，今天是谈论画的时代。他说，拍《局部》本就是给不画画的人看的，让人们有点谈资可以装B。在他看来，装B就是装文雅，没什么不好。
我问过学摄影的朋友，他们仍需要学习绘画。从达盖尔银法出现以来，随着摄影被渐渐称为艺术，不断成熟，再去花大量时间专攻绘画，是一件吃力不讨好的事情。一位观察家说道“绘画已经变成了一个完全神秘不为外人所知的事务，而且只属于美术馆的世界......”从这次发布会可以看出，普通人对文艺复兴的了解，仅限于以艺术三杰为首的小圈子。被过度谈论的他们大量占据着各地美术馆，而一批十三、四世纪优秀壁画家的画作散落在年久失修的偏僻小教堂，无人问津。美暗含着一种个性的体现，但美术馆作为一个被高度选择过的空间，让人们一次性观看无数出名而精美的画作同时，无形中“校准”了人对美的取向，也就有了“审美”。美从来是一件说不清的事情。套用木心的比喻，美术馆像是虾肉面，虾肉太多，没有面了。
早年间，绘画弥补了摄影和电视的空缺。随着技术进步，相应地会带来新的视觉思考。此时，”绘画是不是有用”这一问题逐渐被人们争论。麦克卢汉说，媒介即是讯息。既然有了更便捷的媒介，我们还需要通过绘画来描述世界吗？
作为“中庸”画派的库尔贝，是最后一位试图用绘画超越摄影的画家。他画出《波浪》的时候，大特写和瞬间摄影还未产生。随后又有了印象派和摄影的交融。本雅明说道“当印象派画上颜料之后，便能脱离素描草图的框架，并且，就某种程度而言，也就逃脱了摄影器材的竞争......一直到世纪之交，摄影还一直想模仿印象派画家。”
由达利画出弯曲的时钟，到马格利特画出《这不是一只烟斗》（福柯特地为此写了一本同名书籍），绘画更多地展现出游戏与哲思的成分，而并非痴迷于纯画面的元素。当然，这背后还有更复杂的战争与政治因素。到了今天，写生画派的没落，伴随着更多以“游戏”为母题的其他艺术形式兴起，人们擅长用各种材料来表现艺术，例如为人熟悉的蔡国强擅长玩“爆破”，徐冰爱用文字，左小祖咒参与的人肉堆积《为无名山增高一米》，不一而足。
附庸风雅的日本，附庸久了，自成风雅，反倒是原先的风雅之都要反过来向它学习。对于局外人，去趟美术馆、看《局部》都能算附庸风雅。即使完全不懂，也毫不影响我对这些美的好奇。游览卢浮宫的时候，同行有两位教画画的女生，想脱团多逛一会儿，又不太认路，便拉上我。当天人很少，连《蒙娜丽莎》前拍照的人都只围了稀松的两三圈儿。一路上边走边聊，她们不时因我说出的卡拉瓦乔、安迪·沃霍尔、波提切利、爱德华·马奈而震惊。其中一位说道，看你平时不怎么说话，没想到你懂这么多啊。我心中窃喜，我哪儿懂得，只不过看了《局部》之类的节目，道听途说罢了。她们可比我懂得多啦，来到特纳的画前，她们会盯着一小块儿细节，详述画画的技法；走到路易·大卫辉煌巨著《拿破仑一世加冕大典》前，会为华服上松软细密的蜷毛而震惊；见到《荷瑞希兄弟之誓》，会悉心讲解背后的情节。我的功能是气氛润滑剂和导游，成功“装B”之外，还学到了不少真知识。与看画册或网上的图片不同之处在于，美术馆内看画一是能看到原著的笔触，二是不同的画摆放在一起，会对人的视觉经验产生新的影响。你既是在看这一幅画，同时还是在被许多幅其他的画“观看”。良好的布局和稀疏的游人，更能创造出一种人画呼应的氛围。看画也就是与画对话，将自己的生命体验和画作展现出的场面，以及背后的无言涌动连接在一起，重新发现“消逝的灵光”。
可能不太需要更多的专职画家，但就生活情趣而言，画画仍不失为一种好的调剂。我画画的经历分为两段，一段是从幼儿园学到刚上初中时，因素描过于枯燥而中途放弃；二是最近，因为女生的缘故重拾画笔。我想，没有女生不喜欢男生给她画画的。当你想念她的时候，惹她伤心难过的时候，亦或是在她很难熬的时候，给她画一幅简笔画，既能缓和她的情绪，又能让自己的感情得到恰当表达。
绘画本质上是一门语言，而语言是探索世界，让社会正常运作下去最重要的媒介。会多一种语言，便能更细致地感受世界，在精神的边界外畅游。有一个芬兰的故事讲到：一位父亲带着儿子在雪天蜿蜒于盘山公路，车子中途熄火了。过了十多分钟，一个男人停下车，默默地帮这对父子把车修好，离去。至始至终，三人一句话都没说过。过了半个多小时，开车的父亲望向坐在副驾驶的儿子说，刚刚那个人是我小学同学。
北欧人的语言能量密度很高，冰天雪地里，差不多的社会背景下，不需要讲太多话。但如果儿子给父亲的小学同学画一幅简单的画，双方多少会感受到一丝温热。有些话是不太好从嘴里说出来的，在既定的生活模式下，即使说出了真心话，也会让人觉得奇怪。画画相比起口语的使用频率要少得多，因而它会更加的真挚和生猛，会自动展露人的内心，人们趋于忽略它的非真实性，打破思维惯性所造成的盲区。
从这个意义上来讲，绘画是不会完全消失的。《局部》第二季作为一种画外的延续，它是“消遣”，也是一种熏陶，让绘画更平易近人地渗透到生活当中。当每个人都会理性地装一点B的时候，审美水平也就上去了。
1、大家相信书本、教条，不太肯相信自己的眼睛。
2、规范永远在期待天才的偏离，因为任何规范不可能包容千差万别的真实。少数遵守规范的沙龙画作品，成为历史的注脚，印象派的陪客。
3、巴比松画派是印象派的先驱，像是诗歌与欢唱的区别。
4、随着工业社会的来临，柯罗和米勒成为描绘欧洲千年农耕图景的最后一代人。
5、凡是被承认的艺术、进了美术馆的艺术，都是过时的规范、失效的规范。轮到偏离和背叛印象派的规范，是马蒂斯和毕加索那代人。可他们的规范，今天也早已过时了。
6、各国宗教艺术的历史演变，大致是从一张神的脸，慢慢变成一张张人的脸。
7、看一幅画，最重要的不是懂得，而是惊喜。你在一幅画前突然停下来，然后这个画被你看进去了，这就是惊喜。证明什么呢？证明我此前有眼无珠，还证明什么呢？证明看画没有道理，而且用不上道理。
8、文艺复兴壁画发萌的时代，正式中国壁画黄金时期的尾声。
9 、王季迁拍画那一出很有意思。
10、卡拉瓦乔的创造性贡献是画出了昏暗和聚光的对比，他在十六世纪就发现了现在好莱坞打光的模式。
11、卡拉瓦乔完成了从十四五世纪由湿壁画和蛋彩画形成的一种长期的回绘画的平面感到巴洛克绘画进入一种纵深感的一种过渡。全部的巴洛克画，几乎都是卡拉瓦乔的变体。
12、西洋人喜欢画暴力，中国人喜欢画江山。
13、有些战争画变现战争的残酷，有些表现战争的壮丽。
14、普桑的画都是欧洲的神话和寓言，几乎没有法国题材，笔下的战争画面相当优雅。
15、画家过度沉迷，不断深入，覆盖一遍又一遍，留下了油画表面难以测知遍数的凝结层。凝结的颜料层，就是油画的魅力。我们常说色彩美，其实最惊人、最耐看的表面，就是取决于颜料覆盖的密度，那是一种久经磨练的质地感，有点像和面，你和的遍数越多，面包就有韧度，也很像木器和石器的表面，你打磨的遍数越多，那种晶莹剔透密实。密度取决于高超的手腕，过度堆砌刻画，无非是画僵画死，可是在天才那儿，会将作品升华到意图之外意料之外的境界，成为神品。这种质地美，印刷品完全看不出来，必须在真迹面前。
16、马奈第一个将自己的感知直接表达在画作上，他解放了直觉。
17、古代的作品绝大部分都是订件，没有自由创作这事儿。
18、木心：年代更替，艺术的第一重价值会自行消退，进入第二重价值，艺术价值。
19、西方的草图=中国的粉本。
20、郑重其事的正稿，有时候不如生气蓬勃的草稿。
21、电脑时代消灭了草稿。
22、于是之：一心想往好了画，结果就画砸了。索性豁出去，画砸了拉倒，结果说不定反倒好了。
23、西洋画可以修改，水墨画则下笔无悔。
24、所有好作品，都是艺术家的享受记录。
25、霍克尼：好画不但容纳时间，而且创造时间，画完后，它为时间所拥有，而且一直跟着时间走。
26、除了祭坛画之外的绝大多数西洋画，都是独幅画，即一个场景，一个画面
27、历史不是静止的，所有作品都跟着岁月成长变化。艾略特：只要有一件新的好作品出现，历史上所有经典都会跟着动一动。
28、艺术与大众之间永远存在鸿沟。